FAQ: Anime-who? part 1

23Ene09

El tema de hoy en todo su esplendor.

El tema de hoy en todo su esplendor (lies)

…Y asi empieza la primera entrega de post informativos con el proposito de instruir a los newbies en el mundillo, aunque tambien puede que uno o más veteranos descubran una o dos cosas nuevas de estos post. Aunque estan más bien orientados a la plantilla underground.

Primero aclarar, estos post tienen información recolectada por mí (Seraphy) de un trabajo que recordé que tenía escondido y por eso habrá tan poco tiempo entre una y otra a pesar de la extensión de estas (para ponerlo más claro, es un copy&paste de mi trabajo). La información proviene principalmente de las wikipedias en inglés y en español y de moi. Fue redactada por moi y moi agradecería que sí quieres distribuirla usa un link hacia aquí y/o unos créditos (it’s bad to stole other’s precious things, you know?).

Esta primera parte es sobre anime en especial, más que nada old school – oriented, desde sus comienzos en nipon hasta finales de los 90’s, hablando princiaplmente de obras de gran nivel o de culto (en otras palabras, nada de Yoake Mae Yori Ruri Iro na -Crescent love- o similares).

CAUTION: High text content.

Inicialmente, el termino anime se refiere a la animación japonesa, especialmente a la animación de dibujos, aunque hay quienes consideran ciertas animaciones con staff o estilo anime como parte de este.

En sentido etimológico se discute si es una abreviación de la trascripción japonesa de la palabra inglesa animation (acortada como ocurre con muchas palabras extranjeras). O si, como señalan los entendidos, el origen estaría en el  vocablo francés animé (animado). También la palabra latina anima quiere decir alma, y deriva en palabras como animismo y animación, todas ellas relacionadas con la idea de movimiento o de vida de cosas que originalmente no lo poseen, aunque es muy poco probable que el término tenga su origen de esta palabra.

Internacionalmente el anime llevo una vez el nombre popular de “Japananimation”, pero este término ha caído en desuso. Los fans pronunciaban la palabra princiaplmente como abreviación de la frase “Japan Animation”. Este término vio su mayor uso durante los años 1970 y 1980, que generalmente comprende la primera y segunda oleada de anime fandom. El término sobrevivió al menos hasta términos de 1990, pero pareció desaparecer justo antes del renacer del anime a mediados de los 90.

Background

Sau Kani Gassen

Sau Kani Gassen.

Cuando el cinematógrafo de los hermanos Lumiere llego a Japón en 1896, y su popularidad creció con rapidez por todo el país. En 1906 aparece la primera película de animación jamás creada (realizada por el procedimiento “frame to frame” o cuadro a cuadro) Humorous phases of funny face (James Stuart Blackton). Esta y otras películas del extranjero son importados a Japón hasta 1910, gracias a esto los productores japoneses comenzaronproyectos de cine de animación nacional. La compañía Tennenshoku Katsudo Shashin (abreviada Tenkatsu) es quien reacciona primero, encargando en 1916 al popular dibujante “manga” Oten Shimokawa que creo Imokawa Muzuko Gnkanban no Maki (Muzuko Imokawa y el guardián de la entrada), mas tarde Seitaro Kitayama creo Saru Kani gassen (La batalla del mono y del cangrejo), también en fechas similares lo hará el dibujante manga de corte político Sumikazu Kouchi por encargo de la compañía Kobayashi Shokai, estrenando en junio de 1917 Hanawa Hekonai, Shinto no maki (Hekonai Hanawa y su nueva espada).

Pero podemos decir que la historia del cine de animación japonés llega en 1917 gracias a los trabajos de 3 pioneros, y de estos Shimokawa decidió abandonar este trabajo y volver a dibujar “manga” y Kouchi también se aparto del cine de animación.

Pero Kitayama, que  además tenia talento como empresario, se dedico plenamente a la realización de películas de animación quien, contratando a jóvenes aspirantes a pintores, presenta ese mismo año Momotaro (Taro Melocotón) que consigue exportar a Francia, convirtiéndose en el primer Japananimation visto a ojos occidentales; uno de los jóvenes que aprendieron la técnica como ayudantes de Kitayama fue Sanae Yamamoto, en realidad llamado Zenjiro Yamamoto decide independizarse y formar sus propios estudios de animación. En 1925 realiza Ubasute yama (La montaña donde se abandona a los viejos).

Momotarō - Umi no Shinpei

Momotarō - Umi no Shinpei.

En 1933 Mitsuyo Seo (nacido en 1911 como Tokuichi Seo) es contratado por los estudios de Kenzo Masaoka. Seo, que aprendió la técnica de sonorización de Masaoka pronto de independizo. Su primera película fue Osaru Sankichi. Bokusen (Sankichi el mono. Defensa antiaérea, 1933), que recibió muy buenas criticas. Después Seo entro a formar parte de la Shochiku oga Kenkyusho (Division de Sochiku dedicada al cine de animación, o Doga). Una década después, en 1943, se produce el primer largometraje con audio; Momotarō – Umi no Shinpei (Taro melocotón, el guerrero divino de los mares).Luego, terminada la segunda guerra mundial, Seo realizo en 1947 Oosama no shippo (La cola del rey) que no se estreno, después de esto Seo deja el cine y se dedica a dibujar para las revistas de niños, o a diseñar personajes para la ropa infantil.

En octubre de 1945 se construye la Shin Nihon Dogasha, dedicada a la producción de películas de dibujos animados y con Sanae Yamamoto y Kenzo Masaoka como figuras principales. Tras esto, en 1948 Yamamoto y Masaoka deciden independizarse de Nihon Manga Eigasha para formar la Nihon Doga Company.

En 1952 Noburo Ofuji rueda un “remake” de su exitosa película de 1927 Kujira (La ballena). A la idea primitiva de animación por sombras se le añade la inspiración de vidrieras occidentales para utilizar de forma brillante el celofán coloreado. En el festival de Cannes de 1953 compitió en la sección de cortos, pero finalmente el gran premio se lo llevo Crin Blanc (Albert Lamourise, 1953), quedando Kijura en segunda. Poco después la animación por siluetas Yurei-sen (El barco fantasma, 1956) consigue un premio especial en Venecia, con lo que el nombre Ofuchi pasa a ser reconocido en el extranjero.

En enero de 1950, el dibujante Ryuichi Yokohama decide dedicarse al mundo de la animación (inspirado por el film de Disney “The skeleton dance” – 1929) formando Otogi Productions, comenzando en Marzo del mismo año el trabajo con un equipo de seis personas. Su primera película será un mediometraje llamado Onbu o-bake (El duende a hombros) seguida de Fukusuke (El pobre Fukusuke), después de esto Otogi decide aumentar su equipo a 23 personas; su tercera película Hyotan Suzume (La calabaza y el gorrión, 1959), a continuación estrena Otogi no sekai ryoko (Viaje alrededor del mundo, 1962). Otogi Productions era una empresa particular del propio Ryuichi Yokoyama, que necesitó considerables préstamos de dinero para poder realizar largometrajes, y que no consiguió recuperar la inversión realizada, por ello terminó en bancarrota en 1972.

Hakujaden

Hakujaden.

Mas tarde, en agosto de 1958 nacerá la mayor productora de cine de animación del Japón. Hiroshi Okawa, presidente de la productora de cine Toei, tras explorar la situación del género en Japón, decide comprar la compañía Nichido Eiga de Sanae Yamamoto, pasando este y sus 23 empleados a formar parte de Toei, que crea la subdivisión Toei Doga Company. Su primer y espectacular trabajo será Hakujaden (La leyenda de la serpiente blanca, 1958), superproducción de 78 min. En la que trabajaron nada menos que 109 personas y que se convierte en el primer largometraje a color del cine de animación japonés.

Gracias al éxito de esta primera producción, Okawa se marcó el objetivo de estrenar al menos un largometraje de animación por año. Uno de los que recibió mayor aceptación de crítica y público fue Wanpaku Oji no orochi taiji (El valeroso príncipe derrota a la serpiente gigante, 1963). Isao Takahata realizaría otra de las obras maestras del cine de Toei Doga, Taiyo no Oji, Horusu no daiboken (Las aventuras de Horus, el príncipe del sol, 1968). Toei Doga (que en 1998 cambiaria su nombre por el de Toei Animation Company), se adelanto a su competidores al empezar en 1993 la digitalización del proyecto, que sustituyó a los largos procesos tradicionales y que hoy en día es usada en casi su totalidad del género producido en Japón.

Osamu Tezuka (1928-1989) dibujante que provocó una revolución en el “manga” infantil de la posguerra, en 1961 formaría su propia compañía, Mushi Production. Su primera obra, todavía de carácter experimental, es Aru machikado no monogotari (Historia de un rincón de la calle, 1962), con una duración de 39 minutos y un tono poético. La siguiente obra de Mushi Productions fue una serie para televisión. El laborioso trabajo que suponía hacer cuatro entregas mensuales se llevó a cabo bajo el sistema “limited animation” (animación limitada), que empleaba la menor cantidad posible de celuloide. En enero 1963 se empieza a emitir la serie Tetsuwan Atomu (Astroboy), que se ganó enseguida la aceptación infantil, llegando hasta el 30% de audiencia. Tras ello, Toei Doga decide aprovechar el fenómeno y en noviembre del mismo año emite Okami shonen Ken (Ken, el niño lobo, Sadao Tsukioka). Janguru Taitei (El imperio de la jungla, 1966) es otra de las obras más conocidas de Tezuka y su productora para televisión, y la primera en el medio en utilizar el color. Estas películas para televisión consiguieron venderse en EEUU donde Tetsuwan Atomu fue rebautizada como “Astroboy” y Janguru Taitei como “Kimba, the white lion”.

Kidō Senshi Gandamu.

Mas tarde Hayao Miyazaki conseguirá firmar como director su primera película gracias al encargo recibido de adaptar para el cine el popular personaje televisivo de Lupin III, en Rupan Sansei, Kariosutoro no shiro (Lupin III y el castillo Cagliostro, 1979), y, ese mismo año aparece una de las sagas más aplaudidas y largas de la historia del anime, la saga Gundam (con su primera entrega: Kidō Senshi Gandamu, más conocido como Mobile Suit Gundam). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyasaki y a unos “gags” basados sobre todo en la acción, resultó una obra maestra. Luego nace el film homónimo Kaze no tani no Nausika (Nausicaa del valle del viento, 1984) con producción de Isao Takahata y Miyazaki encargado de dirección, argumento, guión  y “story board”. Gracias al éxito de esta película, Takahata y Miyazaki convencen al poderoso magnate del mundo editorial Y. Tokuma para que colabore en la formación de sus propios estudios de cine de animación, inaugurándose de esta forma en 1985 el “Studio Ghibli“. Dentro de estos Miyazaki dirigirá títulos como Tenku no shiro, Rapyuta (Laputa, el castillo en el cielo, 1986), Tonari no Totoro (Mi vecino Totoro, 1988), Majo no takyubin (El servicio de mensajería de la bruja, 1989) o Kurenai no buta (Porco Rosso, 1992); y por su parte Takahata dirige la muy emotiva Hotaru no haka (La tumba de las luciérnagas, 1988), basada en el argumento de Akiyuki Nosaka, Heisei Tanuki Gassen pompoko (La guerra de los tunaki, 1994). Todas estas producciones tuvieron gran éxito comercial y repercusión también en el extranjero, donde empezó a cobrar fama la denominación de “Ghibli brand” o “Miyazaki brand“.

Fuente

http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_anime

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